对书法创作门与路的解读
大同市书协 韩文岭
字往何处写？对于初学书法，甚至是写了一段时间书法的人，往往碰到这个使人困惑的问题。对于这样一个重要的问题，我本人也曾经无数次的困惑，曾整晚憋得睡不好，甚至都有过金盆洗手的想法。我也曾请教和问过不少的圈内人士，究竟什么是书法真谛？其中有的甚至是国内的大家，但回答的结果是很混乱的，有的是含糊不清的，有的是故弄玄虚的，这越发使我不摸边际。
在这里我想要把自己的理解说清四点：
一、书法不是写字。书法与写字的重要的区别就是：书法是有感情的，而不是麻木的的；书法是形象的，而不是概念的；书法是有继承的，而不是乱来的。书法不像是诗歌小说戏剧那样，可以借助语言形体来表现，而是靠用墨色线条组合的方式来表现的。但是，我们在线条呈现美感的过程中，可以借助舞者的脚步和哲学家的思想，这就是书法应有的变化、节奏、韵律、形象、美感、对比等要素。在书法练习的过程中，和大比例的精力和时间是练习功力和技巧的，就是写字的。而最终则是体现学问、趣味、境界、修养和思想的，这才是书法，它全部的奥妙就在于这一时期。
二、书法家的任务不是记录和重复，而是要体现书法艺术美感。书法艺术是运用联想来唤起人们内心情感的萌发，其中包括“形、神”两方面。书法“形”的美主要运用点线、结构、疏密、轻重、行笔的缓急和墨色的浓淡组成形象的“字形”，我们通常讲构成书法的用笔、结构、风格三个要素的前两个要素就是构成“形美”的主体。以这形式的美、力度的美、结构的美唤起人们的情趣和美感！书法“神”的美，指的是线条组合后总体的外貌。它是书家以运动着的气势和本能，把心里的激情与熟练的技巧结合起来，虚虚实实，虚实相生，抒发自己热爱生活的审美观念，体现书者的情感胸怀。变化的程度就是作者想像力的表现。从某种意义上说，艺术是表现个性的，没有精神就没有书法。用你自己最熟悉的笔法、最熟悉的布局表现最熟悉的内容。能够把你对生活的理解、对美的理解、对感受最深刻的东西努力表现出来。气和则字舒，气愤则字险，神郁则字敛，心乐则字丽。正是荡漾在字里行间的这种作者内心蕴含的真实意念，才会震撼欣赏者的心灵，引起共鸣。如果欣赏一幅作品时，你的心态被打动，这幅作品便是一幅好作品。正是这种美，中国的书法艺术价值才会充分体现。
三、书者不能机械的去追求流派和法度，应在读书、悟道和境界上下点功夫。法度本身既是对形式的提炼，也是初学者入门的依靠。我们不学古人不行，机械的学更不行。所以就要学自己喜欢的，也要学诸家的东西，要学人们容易接受的东西，学美的东西。如果在作品里一看就是学谁的，或者一看谁的东西也没有，这决不能叫做书法。对于古人书，要根据自己的天赋和性格，取己所需，吸取与自己爱好相同的部分，尽快化为己有，然后借鉴创造。有的人很快成为书法家，有的人写一辈子都是写字匠，根本的差距就在于是否能在熟悉法度，并从众家取己所需的基础上突破了法度，这便是智慧和悟性。王铎将字势奇异连接以及墨色的变化运用，董其昌的空灵，黄道周的古趣，徐文长的节奏，徐生翁的简约。还有清朝有名的浓墨宰相刘墉、淡墨王文治、以及翁方纲、铁钢等，他们把趣味、感觉、特点发挥得淋漓尽致，这才是书家。只是把技法掌握得很熟练，到死便也只是一个书匠。任何一门艺术都来不得半点的虚伪和浮躁。自古以来，凡学书有成者，无不是埋首墨池，静静地修，慢慢地养，循序渐进，锲而不舍，有的甚至毕其一生之精力苦苦追求，最后才达到炉火纯青、人书俱老的境界。书法乃寂寞之道，是一门见效很慢、很熬人的艺术，是一种日积月累、水到渠成的慢功夫，决不是一蹴而就、突击几年就可以学得好的。当前随着市场经济的发展，许多人的名利之心、躁动之气日盛。如今有些人学习书法也变得急功近利起来，越来越静不下心，沉不住气，耐不了性子，坐不得“冷板凳”，浮躁起来，忙于搞交际、出集子、搞书展、搞个人炒作等，这都是不可取的。
四、不要忽视墨法、夸张、细节和创新。前人谓水墨者，字之血也。故临池作书时极为讲究。墨过淡则伤神彩，太浓则滞笔锋。用墨作风，一方面往往因时因人而异。如北宋浓墨实用，南宋浓墨活用；刘墉喜用浓墨，梦楼专尚淡墨。另一方面，又常因书体风格、纸张性能的不同而有所区别。浓淡墨的运用，其实就是放开胆量在用墨量上面，首先在于蘸墨的多少来作效果，其次是用清水将浓墨稀释后使用，通过控制加水量来表现，这是最简单的方法；三是靠行笔的速度来表现，四是及时进行吸墨吸水处理。而蘸墨有三法。一是用笔毫先蘸少许浓墨，墨多时可在砚边揩拭，然后快速蘸水后运笔，连续写下去，墨色便会产生由淡到浓、由润而燥，丰富的层次变化；二是先蘸水，后蘸墨，具体做法是让笔在笔洗中洗净，挤干水分至五成湿，然后让笔锋一侧或笔尖蘸墨，马上进行书写；三是先把笔洗净，略挤笔毫，稍含水分，再蘸少许浓墨，写至笔枯锋散时，在砚边抹拢锋毫再写，依此往复，笔下墨色便形成浓淡枯润的节奏变化。这种用墨法极象国画中浓淡墨的运用，所不同的是国画可以复笔，而书法绝不能复笔，必须是一挥而就，再就是运笔速度比较快，不容犹疑和迟滞。写时还须用旧宣纸和废宣纸及时吸干，以免出现“墨猪”。如果是书写大幅字，笔划粗大，可用小笔沾墨抹在大笔上，使水墨相间的层次更多。
再一类笨办法就是：一是可以在自已想定的一篇行草作品重墨区中，写任何字都多沾一点墨。二是可以在那个区里把所有的字都写大一点，再拿来给大家看一看，老师批一批，就知道怎么一回事了。墨色最基本的当然是浓、淡、湿、干四个字。但是浓、淡指的是墨的比例，而干、湿指的是整体的水量，一定要分清楚。所以可以有湿的浓墨，当然也有干的浓墨。可以有干的淡墨，当然也可以有干的淡墨。我感到，玩墨可以分刻意和不刻意两种。刻意玩墨，就要先有一个全篇墨色布局的想法，然后依造设计将墨的浓淡湿干表现出来。至于不刻意玩墨，就是不去想整体的墨色，而是信手一直写下去，笔中的墨干了你就会自己去蘸水，无意识的改变蘸墨频率的不同，便会很自然的写出一副墨韵有变化的作品。另外，不只是行草可以在墨上做变化，各种书体都可以给他变上一变。有时候看似规矩的篆隶用比较夸张的墨来表现反而会出现不同以往的生命力。在学习的这条路上，很多事情是你自己的。书上和老师说的话有许多的宝贵经验，但是如果你一直的点头，就不会想到要摇头。有时候必须要问问自己，为什么他要这样做，用意在哪里？怀素的自序帖为什么要用粗细差不多的线条，王铎的行草为什么要在枯润之上做功夫等等，问题想清楚了，写起来就会有的放矢了。
不要忽视节奏和夸张。正因为书法不是写字，不是记录，就不能追求单纯的去平正和清楚，因此作书时不能太老实，更不能太机械。要想办法造险、努力夸张、不能均匀；要尽力形成竖向的放纵，横向的开展；要努力形成润与枯、慢与快、小与大、轻与重、淡与浓、收与放的鲜明对比；还要想办法制造鲜活的结构、有力的线条，内涵的张力、活泼的肢体、典雅的书卷气；再就是一定要有迪斯科的快节奏，又要有华尔兹的行云流水，使读者能感到中间重轻轻的节拍。
不要忽视细节。在艺术作品中，细节是最能打动人的。书法作品也是一样，同样不能忽视细节。好的电视剧好的小说最重要的便是细节，而情节则是容易被遗忘的，比如抬头望望太阳，又仔细弯下腰抚摸一下快被旱死的小苗，抓一把干裂的黄土。好的歌手嗓子的音色是最重要的，而旋律是次要一些的。书法的线条质量（细节、音色）是第一位的，造型（情节、旋律）是第二位的，一定要注意每一个细微之处，把妙处表现出来，把弹性表现出来，把张力表现出来，增加作品的耐看性。
不要忽视和停止思索书法创新的方法。从历史看，隋唐以后，鼓吹书法创新的人物最多，譬如以苏轼为代表的宋四家的在传统基础上寻找自家面目的革新之路，以杨维桢不拘成法，乱头粗服清劲书风为代表的元代反赵圆活婉丽书风的革新之路，以张瑞图为代表的明四家，（邢侗、张瑞图、米万钟、董其昌）以结体奇崛，不加雕饰，盘旋跳荡的书风，反对“台阁体”的革新之路，清代以王铎，傅山、黄道周、倪元璐等为代表的还有“八大山人”、“扬州八怪”以及扬碑抑帖的康有为，邓石如等等人的革新之路，虽然提出“四宁四毋”和以“丑怪”反对婉丽姿媚的艺术主张和一些美学原则，亦不过是在传统基础上，集中、强调和夸张了前人创造的用笔法，从而形成了不同流俗的个人书风。现代书法，更有不少书家都在探索新路，总结一下，大致有以下几种：
1、从繁简中进行思索。如徐生翁、如弘一，都是用最简的用笔表现空灵，王铎则运用繁笔表现变化。
2、从笔法上加以互用。如用行草、魏碑的笔法去写篆隶，康有为用篆隶的笔法写楷书和行书，祝枝山集米黄之特点于一身等。
3、从民间书法中取营养。如民间书法的笔法+王羲之的结构=现代民间书法。
4、从笔画表现上突出一点。有突出表现横的, 有突出表现竖的, 有突出表现撇的, 也有突出表现捺的。
5、从粗细中表现特点。如金农的隶书，从爨宝子碑中吸取营养，横粗竖细，一反常态。颜真卿的楷书，横细竖粗，雄伟大气。
6、从结构上改变重心。头该轻则重，脚该重则轻，增加情趣。
书法来源于大自然，大自然是千变万化的，所以书法也应当是千变万化的，应该从大自然中不断地发现大自然的美，去丰富书法艺术
作为最后一讲，想归纳一下，所以说了不少，但如果把自己的感悟概括起来讲呢，那就是一句话：书法怎样创作？要从自己的心灵中寻找激情。书法是心灵，就不要老跟在别人的后面走，要不断感悟，寻找自己最喜欢的，并且在传统继承中创新，在变化发展中守恒，在刚古朴中柔美 ，在激情奔放中从容。这就是门。那么路怎么走呢，就是不断充实自己，不断否定自己，不断难为自己，这便是路。这也决不是故弄玄虚。
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